時間：2015/06/29（一）19:00
地點：中山堂中正廳
主持人：台北電影節策展人郭敏容
出席：導演姜秀瓊
文字：楊文捷／攝影：Gelee、李亞潔
主持人：這是一部日本電影，卻是由身為台灣導演的妳拍攝，可以簡單介紹一下這部片的背景嗎？
A：這是日本東映電影公司的企劃案，邀請我時已經規劃了六年。在這之前他們一直找不到合適的導演，一直到2010年在金馬影展看了我的紀錄片《乘著光影旅行》，以及劇情片《跳格子》和《艾草》，覺得我的影像風格很適合這個企劃案，才邀請我加入。
主持人：導演曾在其他座談提到妳並不特別將這部片定義為女性電影。但這部片有許多女性角色，而男性的存在幾乎被減到最低。如果這不是女性電影，你又會怎麼定義這部片？
A：我最想表達的主題，還是「對生命完整的追尋」。雖然女性在片中有大量戲份，但男性在這部電影一樣占有關鍵性的位置，包括永作博美對父親的想念與等待，及佐佐木希渴望男性的陪伴。若不以戲份區分，我覺得它不只是一部女性電影。
主持人：對我來說，這部片關於女性部分很難得的是，當我們想到女性常想到溫柔的、陰性的。但這部片藉由勞動和那間咖啡店，讓女性像是建立一個自己的國度、自給自足，並在裡面找到共同相處的生存方式，那非常動人。像是一個家，又存在家以外的社會意義。
n 觀眾Q&A
Q：我發現有很多側面拍的鏡頭和長鏡頭，為什麼這麼選擇這些手法、有什麼感想？
主持人：我剛剛也在想這個問題，像永作博美知道父親大概已經去世、準備離去時，你特別用較遠的鏡頭看她從咖啡廳走出來。也許有些導演會選用比較近的鏡頭去處理，但你卻做了相反的選擇。
A：如同片中提到的宮澤賢治《夜鶯之星》這部作品和我想表達的主題，我用比較客觀、鳥瞰的角度去看這些人物，我希望提供更真實的感覺，而不是特別去強調戲劇性，所以沒有使用大特寫。
主持人：雖然導演覺得用了比較客觀的鏡頭，但電影依舊感染力很強，因為我剛剛隱約有聽到觀眾啜泣的聲音。這部片先在國外放映後才回到國內，國內外觀眾的反應有不同嗎？
A：大致上相同，大部份觀眾都覺得這是一部很美、 很療癒的片子。但喜歡的角色不太一樣。有些喜歡小男孩，有些喜歡小女孩，當然更多人喜歡永作博美那個角色。
Q：導演假如不會說日文，如何與演員溝通？其中與日本演員合作有什麼幕後有趣的事嗎？另外，有一幕永作博美和佐佐木希在車上的戲，是在棚內拍的嗎？因為現在棚內拍的車戲似乎較少見。然後那間海邊的咖啡館是特別搭景的嗎？假如是，現在還在嗎？最後，《夜鶯之星》這本書本來就存在，還是是配合電影製做的？
A：我不會說日文，剛剛本來想跟大家打招呼說我是台灣導演。因為有一次參加在台灣的座談，結束後觀眾跑來跟我說，他聽到旁邊的觀眾說：哎呀，是一部韓國導演導的日本片！因為我的名字很韓系。（觀眾大笑）另一件有趣的事，是我去夏威夷參加影展時，入圍競賽片，評審也坐在下面聽映後座談，可是影展的翻譯一直跟我說日文，最後才發現我原來不會講日文。影展人員很驚訝，說導日本電影怎麼可能不會講日文。
主持人：那後來有順利完成Q&A嗎？
A：最後就很糗啊，所以英文一定要練好！結果就臨時找了一個住過上海的美國人，勉強會一些中文，但他沒看片，所以就有些雞同鴨講。最後我自己把麥克風搶來，用很爛的英文努力地講。
主持人：觀眾的第二個問題是，不會講日文的話如何指導，及有沒有發生什麼特別的事？
A： 一開始沒有馬上答應製片的邀請，就是因為我不會講日文，也沒與日本有過電影上的合作。但實際工作後，我發覺溝通最難的不是語言，重要的還是態度和觀念。遇到越有經驗的工作人員與演員，溝通越沒問題，透過最爛的英文、肢體動作或眼神，能達到的交流層次甚至是可以很高的。我挑剔得非常細膩時，翻譯可能都很難翻，也會有誤譯的時候。所以我有時就覺得奇怪，像永作博美那麼好的演員，反而調整後做得更糟。就在我疑惑的時候，翻譯就問我：妳是要她看大海對嗎？但其實我是要她「不要」看大海！所以之後我就對演員說，覺得有疑問時，一定要跟我再三確認。因為他們的態度非常客氣，也很服從導演，即便覺得怪怪的，還是會微笑跟你說：好的，我會試試看。（觀眾笑）不過經過磨合後，講了兩句他們可能就懂了。
主持人：那跟小朋友的合作呢？我很喜歡演姊姊那個小演員，因為她保有很生嫩、看起來不太像演員的部分，但又演得很好。所以我特別喜歡妳去捕捉她不太油、不太像專業演員的感覺。
A：那時甄選兩三百個童星，這兩位很接近我想要的特質，幸運的是他們的確沒有那麼多的演出經驗，這算是他們第一次拍電影。因為一開始就透過甄選，知道他們的特質與能力是沒問題的。以往很少給演員表面的指令，或演給演員看。但這次面對小孩，講太多他們反而聽不懂。所以這次偶爾會演出一些。兩位小朋友都領悟力很好，我調整節奏後，他們就知道那樣內心的情感會是不一樣的表達方式。
主持人：所以那個咖啡店是真的存在的嗎？現在是否還在？
A： 那個咖啡廳是搭的景，但旁邊就有一間真的船屋咖啡館，所以這部片有一個可參考的真實人物。他的船屋咖啡館就在拍攝場景後方。他也是我現場的咖啡指導，中間休息時，他都會來指導永作博美怎麼烘咖啡和泡咖啡。此外，電影裡的船屋是隨著時間不停變動的，就按照劇本去改變，所以演員進入的情況非常自然，尤其後半段完全是真情流露。因為都關在那個地方，他們就像一家人一樣那麼要好。然後船屋現在還在，因為當初當地的株洲市政府有投資這部片，希望保留下來，但裡面的陳設已經運回東京了。
主持人：所以大家也可以到隔壁喝咖啡？
A：對！剛才我說的那個真實人物，就把我們的夜鶯咖啡廳移到旁邊，包括招牌等元素都移過去了。所以的確有一間夜鶯咖啡廳在那邊，裡面也有他親手烘培的咖啡，而且面對電影中一樣的海。趕快去吧！
主持人：導演真的很厲害，把那個地方變旅遊必去景點了！另一個問題是關於小女孩在讀的繪本，那個夜鶯的故事是本來就存在的嗎？
A：宮澤賢治算是日本很知名的作家，這篇文章其實已經被收錄在日本的小學課本。它在日本的地位就像是法國的小王子，不同的人看會有不同的詮釋。
主持人：下一個問題是關於開車那場戲。
A：那裡真的非常鄉下，除了開場第一場律師去找永作博美的戲是在東京拍的，其餘都是到能登半島株洲那裡的海邊拍攝的。當地八點就很暗了，大部份屋子燈也都關了，是和城市相差非常大的一個地方，居住人口也都是老年人居多。所以在當地其實沒辦法找到有開路燈的路段可供拍攝，也沒有製作費就直接開一整排路燈。最後我們找了一塊海邊暗暗的空地，用土法煉鋼的創意拍下來，但至少不是在棚內。
主持人：以台灣的拍片方式來說，面對這種限制可能就會改劇本。例如到現場發現沒路燈，也沒辦法打燈，也許就會改用其他方式來呈現這段戲。是不是以日本的工作方式，劇本這麼寫，就會按劇本去拍？
A：籌備期間我待在東京，老實說，我原本還期待在當地一定可以找到某處，像是到金澤來拍車戲，也就沒有要求要改劇本。到了當地，拍攝時間緊，兩個小時的電影只花了21個工作天，當然不可能到金澤。你也問到另一個核心問題，就是以日本工作團隊來說，也很難做這麼臨時的變更，因為他們的規劃是非常仔細的。
主持人：可能跟導演之前與侯導或楊德昌導演的合作經驗不太一樣，或許楊德昌導演比較嚴謹一點，但是台灣的工作方式彈性很大，是這樣嗎？
A：對，彈性很大。即便是楊導，也是當天的戲，大家早上到現場才拿到劇本。所以我那個時候也沒有那麼警覺，因為我都覺得是可以改的、可以到現場解決的，何必規劃得這麼死？到了才發現很難做太大的變動，或是有比較多的空間多捕捉些什麼。當然我也享受到他們的專業，跟台灣的方式非常不一樣。
Q：劇本在講咖啡館，那你本人愛喝咖啡嗎？因為我自己看到永作博美沖咖啡和烘咖啡豆的時候，都覺得聞到咖啡香，很想現在就衝出去買咖啡喝。另外很想知道導演幾歲？因為這有關人生的經驗，所以才會問這個問題。還有一個問題是，因為這個劇本在講咖啡，所以有這樣的呈現，如果劇本是「寧靜抹茶館之歌」，你會用不同的方法去詮釋嗎？
A：我很喜歡喝咖啡，每天早上都要喝一杯才會醒。我58年次的。我其實不覺得咖啡在這部片中，是最重要的元素或象徵。在日本工作時，我自己替這個劇本取了一個中文片名叫「舟小屋物語」，因為我覺得船屋的象徵更大，例如等待的意義等等。咖啡是一個氣氛，主要還是為了呈現永作博美那種職人的背景，它並不是電影的主題。如果換抹茶或啤酒，還是會有我自己喜歡的韻味，所以結果應該還是會蠻接近的。
Q：我想問藍色在這部片中，對導演的意義是什麼？像最後分離的戲，人物衣服都換成藍色。而且感覺有些片段中的海水，有特別再調藍？
A：永作博美飾演的「岬」是這個故事的中心人物，我覺得「岬」就是藍色的。她有很沈靜的力量，有職人專業的感覺，且非常低調沈穩，又似乎有點憂鬱和神秘，所以一開始我理所當然將電影定位為藍色系。因為咖啡廳是她開的，也就就著這個角色的喜好，採用很多不同元素的藍。至於海水的顏色，如果你在當地每天拍一張照片，就會發現它其實非常多變。海水原本就有不同的藍，我其實也沒機會等待到我要的藍。不過我蠻幸運的，因為拍攝時間這麼短，卻遇到十五、六年來日本最大的颱風，此外還遇到兩三次也很大的颱風。但預定安排拍攝時，幾乎都是我期待的天氣。日本製片跟我說，他們都會分導演是晴天導演或是雨天導演。像拍了很多東映電影的行定勳導演，他就是雨天導演，因為他每次在等晴天就一定下雨！還好他們把我歸在晴天導演，即便遇到颱風也對拍攝沒有太大影響。
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